lunes, 16 de noviembre de 2009
domingo, 15 de noviembre de 2009
APORTE UNIDAD 3
REPRESENTACIONES DEL ARTE Y SUS EXPONENTES
EL EXPRESIONISMO ALEMAN: DER BRÜCKE (EL PUENTE) y DER BLAUE REITER
El origen de este movimiento expresionista lo encontramos en Dresde en 1906. Los artistas de El Puente conocían y admiraban las estampas japonesas y las esculturas africanas que habían sido expuestas en el Museo de Etnografía de Dresde. Ambas formas expresivas influirían en ellos. Eligieron el nombre "Der Brücke" porque deseban tender un puente que los vincularan a los artistas expresionistas de finales del S. XIX. Sus maestros eran por tanto Van Gogh, Toulouse Lautrec, Munch y Ensor. Desde sus inicios Der Brücke celebró numerosas exposiciones que fueron recibidas con incomprensión y rechazo.Utilizaban colores muy fuertes. Buscaban reflejar sus angustias internas. Los bruscos trazos trataban de expresa el dramatismo de la realidad. Solían deformar y caricaturizar las figuras de los personajes que aparecían en sus cuadros. Los artistas más destacados de este movimiento fueron: Kichner (1880-1938), August Macke, Erich Heckel, Schmidt-Rottluff y Emil Nolde (1867-1956).KICHNER representó en sus trabajos escenas urbanas asfixiantes, donde se respira una profunda soledad. Sus figuras alargadas expresan el desasosiego del hombre moderno, aprisionado por un mundo vacío y artificial.EMIL NOLDE. Su verdadero nombre era Hansen. Tomó su nombre de su ciudad natal. Siempre estuvo muy interesado por el arte primitivo y por la obra de Gauguin y Ensor al que conoció en 1911.DER BLAUE REITER (EL JINETE AZUL) La segunda ola del movimiento expresionista alemán se produce en 1912 con la aparición en Munich de la revista Der Blaue Reiter dirigida por el pintor ruso Kandinsky.
LAS PRIMERAS VANGUARDIAS ITALIANAS
Mientras en Alemania se desarrollaba el movimiento expresionista, en Italia aparecía la escuela metafísica y el futurismo. EL FUTURISMO entusiasmado por la velocidad de los aviones y los coches de carreras utiliza formas esquemáticas y colores muy expresivos. El nerviosismo febril de la ciudad y la embriaguez de la velocidad son los principales temas de sus obras.LA ESCUELA METAFÍSICA de la mano de GIORGIO DE CHIRICO (1888-1978) prefiere al contrario que los futuristas, la calma y lo estático. De Chirico se inspira en la serenidad de los cuadros de Piero Della Francesca (1410-1492) y de Giotto (1266-1337). Plazas y calles semidesérticas, habitadas por enigmáticos maniquíes. Estos paisajes oníricos transmitían inquietud y desasosiego trasladando al espectador a un mundo silencioso aprisonado por la soledad. Los surrealistas se inspirarían en De Chirico imitando sus atmósferas oníricas. GIORGIO MORANDI siguió los pasos de De Chirico creando sus precisas naturalezas muertas donde las luces y las sombras incidían en los objetos construyendo un ambiente irreal y metafísico.
EL CUBISMO
Pablo PICASSO (1881-1973) y Georges BRAQUE (1882-1963) fueron los creadores de esta tendencia. Su búsqueda innovadora consistió en conseguir la estabilidad de las formas en contraposición a la fugacidad impresionista.Descompusieron el espacio y los objetos, en planos geométricos. El cubismo nació como reacción contra el impresionismo pero también contra el expresionismo.
EL ARTE CONSTRUCTIVO
El cubismo encontró también seguidores en la España de Entreguerras y entre los más destacados encontramos a JOAQUÍN TORRES-GARCÍA. Torres-García, artista uruguayo, fundó junto con BENJAMÍN PALENCIA, Maruja Mallo y Luis Castellanos, el arte constructivo. En sus composiciones Torres-García utiliza numerosas formas geométricas, muchas derivadas de objetos textiles o cerámicas pre-hispánicas. Los colores utilizados eran prácticamente primarios o con tendencia al monocromatismo.
EL FAUVISMO
En 1905, en el Salón de Otoño de Paris un grupo de pintores encabezados por HENRI MATISSE expusieron su impactante obra. La crítica los tachó de excéntricos y "animales salvajes" (fauves). El uso de colores estridentes fue su gran aportación (una explosión de colores).HENRI MATISSE (1869-1954) en sus cuadros fauvistas reduce los objetos a planos de color. Utiliza líneas muy gruesas que envuelven a las figuras. Otros pintores que integraban el grupo fauvistas son: Andrés Derain, Maurice Vlamink, Rouault y Braque.
PICASSOA partir de 1926, coexistieron en el arte dos tendencias: el realismo y la abstracción. Siendo los artistas abstractos más minoritarios. Picasso con el Cubismo trató de demostrar que la representación tradicional de las formas era arbitraria. Así, reacciona contra el canon clásico de belleza griego, deformando los rasgos de sus personajes.
El EXPRESIONISMO de GIACOMETTI
Giacometti fue expulsado del grupo surrealista en 1935 y excluido del grupo realista, por no representar los objetos de modo tradicional. Tras la Segunda Guerra Mundial la visión sobre los fundamentos del arte cambia radicalmente y Giacometti imprime a su obra una fuerte carga personal dentro del neoexpresionismo.
SURREALISMOEn la posguerra los temas tratados en la obra de Max Ernst, Chagall. Miró, Oscar Domínguez, Kandinsky resultaron una clara protesta contra el absurdo de la Primera Guerra Mundial. Paris fue la sede del movimiento surrealista. Picasso junto con De Chirico, Klee, Miró, Dalí eran considerados grandes pintores surrealistas por Andrés Bretón. En escultura Julio González, Jean Arp y Henry Moore fueron las referencias.
El SURREALISMO ESPAÑOL
JOAN MIRO y Oscar Domínguez son dos grandes artistas españoles que tuvieron estrecho contacto con el movimiento surrealista parisino.Miró participó en la primera exposición surrealista en Paris junto a De Chirico, Max Ernst, Jean Arp y Klee. En 1931 participó en la primera exposición importante que el surrealismo organizaba en Estados Unidos y en 1934, en Zurich.
SALVADOR DALÍ
El gran pintor catalán empezó siendo impresionista, luego experimentó con el cubismo hasta encontrar su estilo peculiar. La generación de Dalí estuvo marcada también por la sombría pintura de Solana. La aportación de Dalí al surrealismo es importantísima, dejando una extensa obra pictórica, gráfica y escultórica siempre controvertida. El SURREALISMO en MADRID
En la capital habían calado poco las vanguardias pictóricas europeas. Apenas existen galerías ni coleccionistas de arte nuevo. Antes del surrealismo fue el impresionismo el referente de los jóvenes artistas españoles. A mediados de 1920 se empieza difundir de alguna forma el Cubismo y el Futurismo. Trás la Guerra Civil y debido al aislacionismo sufrido las vanguardias entran con mayor lentitud que en el resto de Europa. Madrid por tanto resultaba un desierto artístico tan sólo monopolizado por los pintores académicos. El surrealismo en Madrid se desarrolló entre 1924 y 1936 siendo los pintores más señalados: - Benjamín Palencia (1894-1980), pintor surrealista fundador de la Escuela de Vallecas que es una reflexión sobre el desértico paisaje castellano. -FranciscoBores - Pancho Cossío.
http://www.artedehoy.com/html/vanguardias.html
EL EXPRESIONISMO ALEMAN: DER BRÜCKE (EL PUENTE) y DER BLAUE REITER
El origen de este movimiento expresionista lo encontramos en Dresde en 1906. Los artistas de El Puente conocían y admiraban las estampas japonesas y las esculturas africanas que habían sido expuestas en el Museo de Etnografía de Dresde. Ambas formas expresivas influirían en ellos. Eligieron el nombre "Der Brücke" porque deseban tender un puente que los vincularan a los artistas expresionistas de finales del S. XIX. Sus maestros eran por tanto Van Gogh, Toulouse Lautrec, Munch y Ensor. Desde sus inicios Der Brücke celebró numerosas exposiciones que fueron recibidas con incomprensión y rechazo.Utilizaban colores muy fuertes. Buscaban reflejar sus angustias internas. Los bruscos trazos trataban de expresa el dramatismo de la realidad. Solían deformar y caricaturizar las figuras de los personajes que aparecían en sus cuadros. Los artistas más destacados de este movimiento fueron: Kichner (1880-1938), August Macke, Erich Heckel, Schmidt-Rottluff y Emil Nolde (1867-1956).KICHNER representó en sus trabajos escenas urbanas asfixiantes, donde se respira una profunda soledad. Sus figuras alargadas expresan el desasosiego del hombre moderno, aprisionado por un mundo vacío y artificial.EMIL NOLDE. Su verdadero nombre era Hansen. Tomó su nombre de su ciudad natal. Siempre estuvo muy interesado por el arte primitivo y por la obra de Gauguin y Ensor al que conoció en 1911.DER BLAUE REITER (EL JINETE AZUL) La segunda ola del movimiento expresionista alemán se produce en 1912 con la aparición en Munich de la revista Der Blaue Reiter dirigida por el pintor ruso Kandinsky.
LAS PRIMERAS VANGUARDIAS ITALIANAS
Mientras en Alemania se desarrollaba el movimiento expresionista, en Italia aparecía la escuela metafísica y el futurismo. EL FUTURISMO entusiasmado por la velocidad de los aviones y los coches de carreras utiliza formas esquemáticas y colores muy expresivos. El nerviosismo febril de la ciudad y la embriaguez de la velocidad son los principales temas de sus obras.LA ESCUELA METAFÍSICA de la mano de GIORGIO DE CHIRICO (1888-1978) prefiere al contrario que los futuristas, la calma y lo estático. De Chirico se inspira en la serenidad de los cuadros de Piero Della Francesca (1410-1492) y de Giotto (1266-1337). Plazas y calles semidesérticas, habitadas por enigmáticos maniquíes. Estos paisajes oníricos transmitían inquietud y desasosiego trasladando al espectador a un mundo silencioso aprisonado por la soledad. Los surrealistas se inspirarían en De Chirico imitando sus atmósferas oníricas. GIORGIO MORANDI siguió los pasos de De Chirico creando sus precisas naturalezas muertas donde las luces y las sombras incidían en los objetos construyendo un ambiente irreal y metafísico.
EL CUBISMO
Pablo PICASSO (1881-1973) y Georges BRAQUE (1882-1963) fueron los creadores de esta tendencia. Su búsqueda innovadora consistió en conseguir la estabilidad de las formas en contraposición a la fugacidad impresionista.Descompusieron el espacio y los objetos, en planos geométricos. El cubismo nació como reacción contra el impresionismo pero también contra el expresionismo.
EL ARTE CONSTRUCTIVO
El cubismo encontró también seguidores en la España de Entreguerras y entre los más destacados encontramos a JOAQUÍN TORRES-GARCÍA. Torres-García, artista uruguayo, fundó junto con BENJAMÍN PALENCIA, Maruja Mallo y Luis Castellanos, el arte constructivo. En sus composiciones Torres-García utiliza numerosas formas geométricas, muchas derivadas de objetos textiles o cerámicas pre-hispánicas. Los colores utilizados eran prácticamente primarios o con tendencia al monocromatismo.
EL FAUVISMO
En 1905, en el Salón de Otoño de Paris un grupo de pintores encabezados por HENRI MATISSE expusieron su impactante obra. La crítica los tachó de excéntricos y "animales salvajes" (fauves). El uso de colores estridentes fue su gran aportación (una explosión de colores).HENRI MATISSE (1869-1954) en sus cuadros fauvistas reduce los objetos a planos de color. Utiliza líneas muy gruesas que envuelven a las figuras. Otros pintores que integraban el grupo fauvistas son: Andrés Derain, Maurice Vlamink, Rouault y Braque.
PICASSOA partir de 1926, coexistieron en el arte dos tendencias: el realismo y la abstracción. Siendo los artistas abstractos más minoritarios. Picasso con el Cubismo trató de demostrar que la representación tradicional de las formas era arbitraria. Así, reacciona contra el canon clásico de belleza griego, deformando los rasgos de sus personajes.
El EXPRESIONISMO de GIACOMETTI
Giacometti fue expulsado del grupo surrealista en 1935 y excluido del grupo realista, por no representar los objetos de modo tradicional. Tras la Segunda Guerra Mundial la visión sobre los fundamentos del arte cambia radicalmente y Giacometti imprime a su obra una fuerte carga personal dentro del neoexpresionismo.
SURREALISMOEn la posguerra los temas tratados en la obra de Max Ernst, Chagall. Miró, Oscar Domínguez, Kandinsky resultaron una clara protesta contra el absurdo de la Primera Guerra Mundial. Paris fue la sede del movimiento surrealista. Picasso junto con De Chirico, Klee, Miró, Dalí eran considerados grandes pintores surrealistas por Andrés Bretón. En escultura Julio González, Jean Arp y Henry Moore fueron las referencias.
El SURREALISMO ESPAÑOL
JOAN MIRO y Oscar Domínguez son dos grandes artistas españoles que tuvieron estrecho contacto con el movimiento surrealista parisino.Miró participó en la primera exposición surrealista en Paris junto a De Chirico, Max Ernst, Jean Arp y Klee. En 1931 participó en la primera exposición importante que el surrealismo organizaba en Estados Unidos y en 1934, en Zurich.
SALVADOR DALÍ
El gran pintor catalán empezó siendo impresionista, luego experimentó con el cubismo hasta encontrar su estilo peculiar. La generación de Dalí estuvo marcada también por la sombría pintura de Solana. La aportación de Dalí al surrealismo es importantísima, dejando una extensa obra pictórica, gráfica y escultórica siempre controvertida. El SURREALISMO en MADRID
En la capital habían calado poco las vanguardias pictóricas europeas. Apenas existen galerías ni coleccionistas de arte nuevo. Antes del surrealismo fue el impresionismo el referente de los jóvenes artistas españoles. A mediados de 1920 se empieza difundir de alguna forma el Cubismo y el Futurismo. Trás la Guerra Civil y debido al aislacionismo sufrido las vanguardias entran con mayor lentitud que en el resto de Europa. Madrid por tanto resultaba un desierto artístico tan sólo monopolizado por los pintores académicos. El surrealismo en Madrid se desarrolló entre 1924 y 1936 siendo los pintores más señalados: - Benjamín Palencia (1894-1980), pintor surrealista fundador de la Escuela de Vallecas que es una reflexión sobre el desértico paisaje castellano. -FranciscoBores - Pancho Cossío.
http://www.artedehoy.com/html/vanguardias.html
lunes, 12 de octubre de 2009
APORTES UNIDAD 2
FILOSOFÍA DEL ARTE
MUSICA
PINTURA
ESCULTURA
ARQUITECTURA
FOTOGRAFÍA
LITERATURA
CINE
Combina
Sonidos
Aplicación
De pigmentos
representación
artística
Proyecta y construye edificios
capta imágenes
Comunicación escrita
Cultura de la imagen
VALORES SENSORIALES
VALORES FORMALES
VALORES VITALES
En la segunda unidad podemos contemplar la filosofía del arte, donde permite conocer las técnicas del arte y su aplicación.
Toda la humanidad es amante a las artes. Las artes se clasifican en 7 técnicas distintas que nos permite disfrutar de la variedad y enamorarnos de aquella que más nos llame la atención; y llegar a ser un artista profesional, reconocido por la sociedad.
Entre las artes encontramos la música que es la más abstracta, la pintura: es la aplicación de pigmentos sobre una superficie, carece de volumen, el espacio objeto intangible, la escultura: con material susceptible, fácil de manejar para realizar obras visibles y tangibles y ocupa un lugar real en el espacio. La arquitectura: es la técnica más antigua, con ella se proyecta y construye edificios. La fotografía: capta imágenes reales por medio de una cámara, material fotográfico entre otros. La literatura: la comunicación escrita, con recursos lingüísticos permite embellecer la expresión por medio de la oratoria. El cine, considerado como el séptimo arte con innovación tecnológica y artística del siglo xx. El cine reproduce relaciones especiales y secuencias temporales de los hechos al mismo tiempo.
En las obras de arte existen varios tipos de valores como el valor sensorial: que es captado por un observador estético. Cuando nos deleitamos de su textura, color, tono y brillo del arte entre otros. Valor formal: que es la relación entre los elementos. La forma que es las interrelaciones formales de las partes, modo único de organización.
La obra de arte debe tener una unidad orgánica( idea de valor). La experiencia estética debe de tener: variedad y unicidad.
Valor vital: provoca sentimientos, relación con la vida.
Contemplar el arte como expresión: la forma y expresividad al sentimiento humano
El arte como símbolo: teoría de la significación( el arte se describe como símbolos de los sentimientos, las obras de arte son signos icónicos.
El gran arte no sólo proporciona al hombre un descanso o interrupción en el curso de su vida trepidante, al término del cual se sentirá lo mismo que antes: en el acto mismo de concentrar nuestras energías sobre un objeto estético, nuestro estado espiritual mejora; hay un alivio en la tensión y una especie de iluminación interior que no existía anteriormente. El efecto incluye una agudización de nuestras sensibilidades102, un refinamiento de nuestras capacidades de cara a la discriminación perceptiva y emotiva, una facilidad para reaccionar más sensiblemente al mundo que nos rodea.
lunes, 5 de octubre de 2009
miércoles, 30 de septiembre de 2009
APORTE MATRIX PELICULA
Aporte Patricia García A
Trabajo colaborativo 1º
PELICULA MATRIX
La filosofía del arte no invita a vivir en una realidad que nos permite disfrutar del arte en lo profundo de nuestro ser.
Cada ser tiene su propia filosofía sobre el arte observado.
Cuando veo la película Matrix me lleva a vivir a ese mundo que tengo interno de sueños de irrealidades que se forman a medida que adquirimos experiencia en el diario vivir.
Que de una u otra manera queremos sacar lleno de ulisionismo y convirtiéndonos en héroes en defensa de nosotros mismos. No nos importa salirnos de la realidad pero nos permite soñar.
Matrix nos invita a reflexionar sobre la Libertad y necesidad, diferencia entre mundo real y mundo percibido, etc.
Como Neo nos vemos comprometidos con los demás y en situaciones muy extremas. No se puede basar su opción tan sólo en argumentos racionales. Y como en Matrix este tipo de situaciones se deja ver con mayor nitidez la libertad, con toda su carga de dramatismo.
la verdad dista mucho de asemejarse a lo que primeramente percibimos a través de los sentidos. Los pasillos de Matrix son aquellos laberintos de los que no podemos salir.
“La elección es una ilusión que distingue a los que tienen poder, de los que no lo tienen.” (Merovingio).
la “filosofía Matrix”, integrada por un sin fin de elementos totalmente dispares.
Es mucho lo que puedo decir referente a esta filosofía; pero también poco porque se escapa mucho significado; enguanto a mi poca interpretación.
Bibliografía
Pelicula Matrix
Modulo Estetica UNAD
Trabajo colaborativo 1º
PELICULA MATRIX
La filosofía del arte no invita a vivir en una realidad que nos permite disfrutar del arte en lo profundo de nuestro ser.
Cada ser tiene su propia filosofía sobre el arte observado.
Cuando veo la película Matrix me lleva a vivir a ese mundo que tengo interno de sueños de irrealidades que se forman a medida que adquirimos experiencia en el diario vivir.
Que de una u otra manera queremos sacar lleno de ulisionismo y convirtiéndonos en héroes en defensa de nosotros mismos. No nos importa salirnos de la realidad pero nos permite soñar.
Matrix nos invita a reflexionar sobre la Libertad y necesidad, diferencia entre mundo real y mundo percibido, etc.
Como Neo nos vemos comprometidos con los demás y en situaciones muy extremas. No se puede basar su opción tan sólo en argumentos racionales. Y como en Matrix este tipo de situaciones se deja ver con mayor nitidez la libertad, con toda su carga de dramatismo.
la verdad dista mucho de asemejarse a lo que primeramente percibimos a través de los sentidos. Los pasillos de Matrix son aquellos laberintos de los que no podemos salir.
“La elección es una ilusión que distingue a los que tienen poder, de los que no lo tienen.” (Merovingio).
la “filosofía Matrix”, integrada por un sin fin de elementos totalmente dispares.
Es mucho lo que puedo decir referente a esta filosofía; pero también poco porque se escapa mucho significado; enguanto a mi poca interpretación.
Bibliografía
Pelicula Matrix
Modulo Estetica UNAD
APORTE 2 . UNIDAD 2
Conceptos de la estética de filósofos contemporáneos
En Francia, Henri Bergson definió la ciencia como el uso de la inteligencia para crear un sistema de símbolos que describa la realidad aunque en el mundo real la falsifique. El arte, sin embargo, se basa en intuiciones, lo que es una aprehensión directa de la realidad no interferida por el pensamiento. Así, el arte se abre camino mediante los símbolos y creencias convencionales acerca del hombre, la vida y la sociedad y enfrenta al individuo con la realidad misma.
En Italia, el filósofo e historiador Benedetto Croce también exaltó la intuición, pues consideraba que era la conciencia inmediata de un objeto que de algún modo representa la forma de ese objeto, es decir, la aprehensión de cosas en lugar de lo que uno refleje de ellas. Las obras de arte son la expresión, en forma material, de tales intuiciones; belleza y fealdad, no obstante, no son rasgos de las obras de arte sino cualidades del espíritu expresadas por vía intuitiva en esa misma obra de arte.
El filósofo de origen español Jorge Ruiz de Santayana razonó que cuando uno obtiene placer en una cosa, el placer puede considerarse como una cualidad de la cosa en sí misma, más que como una respuesta subjetiva de ella. No se puede caracterizar ningún acto humano como bueno en sí mismo, ni denominarlo bueno tan sólo porque se apruebe socialmente, ni puede decirse que algún objeto es bello, porque su color o su forma lleven a llamarlo bello. En su ensayo El sentido de la belleza (1896) propuso novedosos argumentos para una consideración fundamentada del fenómeno estético.
El pedagogo y filósofo estadounidense John Dewey consideraba la experiencia humana como inconexa, fragmentaria, llena de principios sin conclusiones, o como experiencias manipuladas con claridad como medios destinados a cumplir fines concretos. Aquellas experiencias excepcionales, que fluyen desde sus orígenes hasta su consumación, son estéticas. La experiencia estética es placer por su propio interés, es completa e independiente y es final, no se limita a ser instrumental o a cumplir un propósito concreto.
Bibliografía enciclopedia encarta 2009.
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